昨日は、仕事の合間を縫って、大学時代の同期である岡本昌也くんの新作演劇『心臓グミ』を観劇して、その後のアフタートークにも参加してきた。
作品内容としては、ちょっと驚いてしまうくらい岡本昌也が観客の方を向いてくれている作品だった。僕の知っている彼とは違ってちょっと戸惑ったし、むしろ前の二作にくらべるといささかライトに思え、少しだけ物足りなさを感じてしまうくらいだったかもしれない。でもそれは彼も意図してやったことだったらしいので、むしろその調節を意図して行えることが作家としてすごいと思うし、いろいろな題材で、様々な方向性・手触りの彼の作品を観てみたくなる。
そして、今回も相変わらず、しっかりと扱う題材に対しての真摯さを感じた。観劇中、これを放置子という問題を題材にしている前提を持たずに観たら、一体どんなふうにこの物語を捉えただろうか、と考えた。多分僕は、こういう対等な親子関係もありだよねと途中まではむしろ肯定的に観たかもしれない。でもだんだん違和感が募っていって、関わるみんなが少しだけおかしくなっていって、終盤にはその歪みがただの違和感ではなく社会に存在する問題として提示される。まさに僕が気づかない（気づこうとしない）だけでこの世界のどこかで普通に起こっていることなのだと思い知らされた。これはもしかしたら、「ありふれた物語」「物語としては退屈だった」というふうに思う人もいるかもしれない。けれどそれは同時に、それだけ日々の中に滑り込んで、馴染んで、可視化できない問題であることのあらわれで、だからこそ目を向ける必要があるのだとこの作品は言ってくれている気がした。
あと、岡本くんは情報量の整理がとてもうまい作家なんだと思った。シーンを転換するとき、前シーンの役者が舞台の端に残って、次シーンの役者が照明に照らされて何かを話し始めるシームレスなシーンのつなぎも、観客の処理する（あるいは処理したい）情報量を見極めて、それに応じてコントロールしているように思えた。リニアにひとつひとつのシーンがつながっていく物語は、シンプルではわかりやすくはあるが、ある意味では予定調和的で単調だ。そこにひとつまみのカオスを投じることで観客の処理すべき情報量が少しだけ増え、そのことが観劇モチベーションになることを本能的に知っているのだと思う。いつか、学生時代に、彼が「観客の処理できる情報量の少し上の情報量を与えることが、”面白い”と感じながら観ることにつながる」というようなことを言っていた。このようなシーンのオーバーラップの演出もその一環なのではないか。また、それが顕著にわかるのは『パルプ・フィクション』的な脚本構造だ。時間軸が入り乱れることで、観客は少しだけ戸惑うが、そのシーンの飛躍で起こる一瞬の”わからなさ”がむしろ観客の没入に寄与しているのではないか。シームレスなシーン繋ぎは、そのシーンの飛躍の余計な違和感を減らしている役割もあるのだと思う。ときには彼は、あえてもっと大きなカオスを意図的に脚本内にも混ぜ込んでいたりもする。それができるのは、観客が受けとり、処理する情報量を常に考えて、それをコントロールすることが鑑賞のモチベーションを左右することを知っているからこそなのではないかと思った。